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雅昌艺术论坛

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发表于 2007-5-28 17:15 |显示全部楼层

回复 #25 ArtCollector 的帖子

删除了文化大革命和毛主席等大家所熟知的部分直接跳到日本社会



3.  日本社会
作为日本人,会觉得对“美”的认识就象水和空气一样重要。“美”,就在我们的周围,它无私地为我们奉献着。
日本是个风光明媚的国家,拥有着耕作民族特有的温柔情怀。历经岁月沧桑,形成了一种非常重要却又难以形容的社会结构和社会形态。各地举行的祭祀活动、仪式,还有诸多的惯例、常规也都是如此。花道、茶道、剑道、佛道这些所谓的“道”中包含了所有的矛盾和纠纷。那些我们肉眼无法看到的冥冥之中的意念,或强或弱地影响着我们的生活和工作。
电视、新闻广播等宣传媒介,几乎每天都被政治、经济、社会等内容所占据。但是不论政治话题还是经济话题,这一切都表现了在礼仪礼节、伦理道德、人际关系、相互介绍等方面具有特殊方式的日本,经过长年累月创造出的延续于人们无法看到的规律之上的社会形态。
站在日本以外的国家的角度来看,这样的社会形态实在过于奇异。
最让其他国家吃惊的是,就是这样一个国家居然跃居全世界屈指可数的工业大国的名列,世界资金储备量非常巨大。
由于是第二次世界大战的战败国家,小小的日本岛国处在了东西冷战的夹缝之中。在这样的国际形式之下,日本仍然能够有效地利用日本人民的特性,一跃成为世界上为数不多的一等经济大国。
日本人的特点之一是这个群体是一个可以很好地应对紧张状态的社会组织结构。另一个特点是本自古以来,不管飞鸟、奈良、平安等时期,都会去隔海的文明大国——中国那里吸取各方面的文明精华。不仅仅只是将文明引进日本那么简单,而且还要通过取舍、挑选、试验、改良,使其逐步日本化,最后转变为绝对的日式风格的文明。最后,还需要做到必须完全忘却这本是源于中国的文明。日本人希望自己是一个有奇异才能的民族,通过他们的才能可以把日本改造成环境幽雅的国度。
现在日本已经成为世界上屈指可数的工业立国。汽车、电视、录像机等产品,在整个世界的市场上占有份额非常大。但是日本人自己发明创造的东西几乎为零。
其后,日本从中国转向美国,从那里吸收发明创造和美国文明。经过长年努力,具有韧性的日本人发挥自身的长处,席卷了整个世界市场。这就好象江户时代初期,日本人把中国景德镇发明的瓷器引进了九州的伊万里,运用自己特有的才能将引进的瓷器进行了改良,然后再用低价对外销售,垄断了世界市场一样。
工业立国的日本是成功的。它惊动了世界各国,倍受瞩目。世界各国的资本全部涌向日本市场。
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4.日本社会结构的崩溃
日本国内充斥着过剩资本,高尔夫会员权、绘画、宝石等高价商品价格猛增。特别是对日本社会打击沉重的房地产的不良操作行为更加明显,使得地价肆意上涨。
从另一个角度讲,泡沫经济使得日本经济已完全被编排到世界经济的行列之中了。在此之前,日本经常会受到美国为首的许多国家的谴责。因为那时日本的商业有着自己特有的资历排序制和终身雇佣制;政治方面也同总承包商之间在投标上有着勾结,并同日式酒家政治、规则等挂钩实施贸易顺差,这样一来自然让人联想到了干涉内政一词。
同时,日本国内的各种矛盾也同泡沫经济一起爆发出来,许多日式的社会机构也同期崩溃了。
在世界各地,特别是美洲、欧洲的先进国家都希望日本能够有与美洲、欧洲相同的社会体系和共同的社会观念。总而言之,这些国家就是希望日本能够在相同的社会体系、相同的社会理念、相同的社会机构,也就是同他们站在同一起跑线上比赛,这样他们才会觉得这是一场公平的竞争。
民主主义的观点就是正义掌握在多数人手中。由此可见,日本不得不向美洲或欧洲那样类型的社会开始转变,而且,社会机构、政治机构、社会理念都要从根基发生改变。过去的旧的经济观点早已不能适应现在的发展,就像从前的在野党日后也会和执政党产生不同的执政观念一样。
我们日本人已经相亲相爱地一起生活了几百年,如今,由于日本社会机构的崩溃,社会问题、政治问题、经济问题等各种各样的实际问题都摆在了眼前,我们一下子变得空虚起来,对一切都无视其存在。

5.美的存在
不管现在和未来,对于我们日本人来说,美的存在才是最重要的。这个美的含义是指,日夜守护在我们身边的,可以相互交心,也可以接受自己错误的相儒已沫的最最亲近的朋友。
美的存在就像那些爱我们的人们,不断给予我们慰籍,不断给予我们力量。
如果美离我们远去,那么我们将无法生活。美不存在了,幸福也就无从谈起了。美好的事物如果离开了美术、音乐、戏剧、舞蹈、文学、自然等这些因素的话,我们幸福的生活同样会消失。我们因这个美而感动,我们深爱着它,我们本能地去思考如何留住这个美,并且不会被它玩弄于股掌之间。
泡沫经济时期,自海外购进了很多美术作品。这些作品的主流是以印象派为主的欧洲绘画。泡沫经济虽然崩溃了,但是,作为全球屈指可数的富庶国日本来说,从精神寄托的角度上讲多拥有一些绘画作品还是有必要的。然而,除了一部分本画也就是画家的代表作品以外,在日本本土上,大部分欧洲绘画作品的价格都趋于下跌的走势,基本没有回升的可能。
而且,有十分之一弱的日本画家的作品,其价格也出现了下跌的情况。还有消息说,在金融机关的仓库和保险柜里被迫抵押出去的绘画作品堆积如山。
那么,究竟是什么原因使事情演变成现在这样一种地步呢?
日本人在这十年之间终于跻身于世界先进大国的行列,人们从衣食住行的困惑中解脱出来,开始渴望过上一种奢华的生活。能表现出这种奢华生活的方式之一就是买画儿。日本人认为画儿是一件奢侈的东西,它可以反映出一个人的聪明才智。他们认为只要有钱,这样的东西想买多少就能买到多少。
相对而言,西洋美学让人们尽可能多的了解了西洋人之美,可谓功绩显赫。经过亚里士多德、柏拉图时代,走过希腊文明,人们唱着胜利的歌曲进入了文艺复兴时期,印象派绘画开始大放异彩。这一显赫的功绩后面一直有着基督教教义的支持,美作为神的意旨在此得以表现。
然而,在日本、中国等东方国家里虽然也有画论可依,但是,在万物皆有灵性的宇宙生命观的引导下,像西方等国家这种定性在抽象思维的美学是没有立足之地的。尽管如此,自明治时期以来,有很多的日本画家前往巴黎游玩并以提高绘画修行为由普渡佛法,从中学到了那里的先进绘画技术,算起来到现在已差不多有近百年的历史了。直到现在仍然有很多美术界的学生以到巴黎学习作为自己奋斗的目标。从另一个角度讲,前往巴黎留学已经成为一种身份地位的象征。
这种现象在日本人里也能看到,倘若在日本也产生出自己独特的美学观念那绝对是个伟大的错误。每个人都有每个人不同的、独立的美学观点,根据自己不同的观点创作出各种不同风格的画儿,根据自己不同的喜好从国外购买不同特色的绘画作品。但是,由于泡沫经济溃败的影响很多的作品都静静地安睡在仓库里了。
日本人从本质上来说基本上没有什么变化。
吸取先进国家的绘画技术,使日本的美术更加日本化,风格化。吸取绘画技术是没有错误的,但是到底是不是真的日本化了,就只能根据日本人多年来养成的习惯而定了。这并不是西方美学观点中传唱的“人类理性的赞歌”,也不是人们所说的“美是源于理念上的感官刺激而形成的一种现象”,仅仅是由于日本人自身的一种本能意识上的选择。
无法溶于西方世界的日本人,时常影现出中国蓬勃发展的一幕,他们开始重新思考何谓东方的美意识?什么又是日本人眼中的美意识?这一千百年来不曾改变的命题。在他们的脑海中飞鸟、奈良、京都时代的景象若隐若现。
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6.日本人的美好理想
日本人的美好理想就像《万叶集》中描绘的人世间亦或风雅、亦或恬静、亦或感动。又仿佛江户时代吹来的气息,犹如浅川的河水轻轻流淌,那么清澈、轻盈、那么顺畅。可以这么说,明朗轻快的事物在人们的眼中就是一种美丽。好比文学领域里漂亮的假名文字渐渐替代美丽的汉字的时候,转变是那么地轻松自然,这就是日本人的审美意识。
  中国人眼中的美是以北方的长安、北京一带为中心,建立在官僚国家机构框架之上的。其形式五颜六色,充满了等级的高贵,显示出一种庄重的美。北方的官僚国家中,除了官吏以外,即便被人称作艺术家也都没有生活依靠。只有高中状元,佩带皇上赐予的金腰带,那才是真正拥有了至高无上的荣耀。
画匠们为求飞黄腾达苦练绘画本领,他们的身份卑微,实际上就是国家的奴隶。就是这样一群人,他们不断开拓新的艺术领域。许多有才能的艺术家就在这样的制度下痛苦挣扎着,他们最终创作出了著名的北宗画,同时还形成了一种被称为院体派的大派系。
北宗画和院体派对日本艺术影响很大。但是,日本没有科举制度,国家又小,从比例上说日本艺术家的数量还是比较少的。他们的创作灵感就是寻求真实,追寻自由的空间。在中国,南方的文人墨客们正在挥毫泼墨,他们在为自由而画,也正在沿着这样一条道路大步前进。日本的绘画尽管继承了中国北方的绘画技巧,但是他们比较反感显得过于繁重的绘画结构。最终,中国南方追求轻松自由的画风在日本广为流传。
中国虽然没有借助西方式的抽象思维的美学方式,但是如何构思一幅作品,使用怎样的绘画技巧等和绘画创作相关的内容都在“画论”中一一给予了阐述。
在中国,对建筑工程、土木工程以及工艺制作等团体性的工作除了通过绘图的方式讲解之外,是不允许进行相互讨论的。因此,时至今日画论以成为中国画家们遵循的绘画理念,深入人心。
了解中国画论成为重新查证日本美术的重要线索。
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五、中国绘画画论
1.顾恺之的论画
中国和日本都不存在类似于西方美学这样根据理论性、抽象思维方式来判断“美”的理论体系。但是,相对西方美学而言中国则以“论”为主。
“论”,一般来说,通常是以与实际作画相关的“画论”的方式进行阐述的。
比如中国古代时期的绘画,描绘的全部都是以实际利益为目的的内容。绘画的目的就是用图解的方式来说明用语言和文字无法表达的事物。绘画的内容都是以统治者的思想,即道德秩序为中心的,最终的目的就是让统治者的信仰教化深入民心。
四世纪,中国处于六朝时期,画论变得盛行起来。这之中最为著名的画论就是画家顾恺之的《论画》。《论画》一文中提出了“凡画,人最难”的说法。为什么会这么说呢?源自“万物之中,受天地之精华最多者为人类”一说。由于动物、建筑物都缺少这种精气神,所以画起来比较容易。
画家画人物的时候,要让自己渗透到这个人物的“神”之中,而且必须要找到可以表现这个“神”的方法。这种表现手法的基本方法就是“骨法”。“骨法”就是用优美标准的线条勾勒出人物的骨架,具体刻画出人物的神形。
画家顾恺之认为,同构图和色彩相比,更为重要的是人物的“神”。

2.谢赫的画论
四世纪末,齐国的谢赫对顾恺之“以形写神”的论说给予了更加细致的解说。
谢赫以著名的“六法”为基准,将三国之后的二十七位画家分为六个等级,对他们一一进行了品评。
所谓六法即:一、气韵生动;二、骨法用笔;三、应物象形;四、随类赋彩;五、经营位置;六、传移摸写。
谢赫认为气韵生动和骨法用笔是最为重要的。如果这两法不能达到纯熟,那么其他“四法”也就没有存在的意义了。
气韵生动指的就是顾恺之所说的“形神兼备”。也就是说,绘画本身应该能让观者产生栩栩如生的感觉。
不管构思如何巧妙,色彩如何艳丽,构图如何新颖,但如果绘画本身无法让人感到活力,没有生动的气息,那么,它只不过是一个没有生命的形骸。这个观点即便是现在也是贯通中国绘画的最高思想,它已经成为判断一件绘画作品的价值基准。换句话说,当今所有的中国画家依然根据这个基准来进行创作。
气韵生动说的不是绘画技巧和优劣问题,也不是美丑的问题。气韵生动超越了这一切达到了更高更深的境界。气韵生动已经上升成为一个关系到精神世界的问题。
谢赫把“骨法用笔”排在了第二位。骨法用笔是能够帮助气韵生动达到这样一个高层次的非常重要的一个方面。同时,也继承了顾恺之的骨法论。
骨法就是要表现出被描绘的物象的骨骼,也就是物体的基本形态。如果骨法不够强劲,就不能很好地表现出气韵生动。
强力度的绘画方式在日本画法里被称作“线描”。但是即便是这个被视为东洋画生命的线描,如果要很好地运用骨法作画也不能单纯地只是把轮廓、细节通过线条巧妙地表现出来就算成功,而是要把线条本身凝聚的生命力注入画中每一个角落,让整幅画都拥有天然的生命力量。这样一来,即使不依赖实物、构图和色彩也可以创作出气韵生动的作品。

3.气韵生动
谢赫的画论从中世纪开始一直影响着中国及其他东方国家,特别是在具有东方特色的水墨画上有着突出的表现。而且,在理解水墨画方面也是必不可少的。
水墨画如果离开了气韵生动就不能称之为画。水墨画在用色上就是单纯的墨色,这样可以用骨法用笔的方法更好地表现出物体的真实性。
水墨画是中国画论本质的最好表现,它的存在让中国的画论得到了发展空间,取得了丰硕的成果。这样看来,中国绘画的最高理念就是极具个性化的、有浓郁人情味儿的、带有宇宙使命感的“气韵生动”。
中国的绘画史上有很多画家都有很强烈的个性。但是,对这些画家做出评价时没有一个是根据其个性来定位的,都是看本人作品是否真正表现出气韵生动的效果后,对其做出判定。直至今日均是如此。比如说,对某位中国著名现代画家的作品进行等级分类,区分他的作品是一等品,二等品,三等品还是临摹作品的时候,都是根据作品的气韵生动进行划分的。
我们暂且不提中国出现的幼稚拙劣的临摹作品,日本这边则是出现了比赝品更为让人们引起骚动的价格差问题。
中国著名画家吴冠中的作品在著名的拍卖公司拍卖时,拍卖的最高标底价格约为一亿日圆,最低时为100万日圆左右,价格相差了100倍。这些作品的评定标准都是——“气韵生动”。在日本,作品的价格都是以作者的名号而定的,基本上不会在价格上出现这么悬殊的差价。究竟哪边是对的呢?其实,这与购买一方的资质有着很大的关系。
最近,在香港等地产生了“气韵生动”的理念和西洋美学一贯地宣讲的“美”说是一致的论调。但是,西洋美学的所说的“美”完全是以实际存在的形态出现的,提倡的是物体的实际存在才是感动人们的最根本的东西。
相对这个观点而言,“气韵生动”可以把事物实际存在形态中人们无法看到的生命观表现出来,而西洋美学则仅仅能够给予感觉上的满足,只能单纯地让人们从感官上得到美的享受。由此看来,“气韵生动”更能让人们了解强烈而深奥的人生以及生命的意义。

4.中国绘画的思想
中国绘画的思想在处理大自然同作品之间关系的方法与西洋美学是不同的,这一点很显而易见。中国绘画的思想主要表现在山水画上。但是,这种思想在包括油画在内的大部分现代中国绘画中都自始至终贯彻到底。
在中国这个国家里,人们认为大自然也就是山山水水都是有灵性的。
上天按照自己的意志创造了高山流水,众多神灵居住在那里,给人们一种非常神秘的感觉。各路仙人不会想到他们会和世间的人们发生怎样的冲突。
雄伟的山脉让人既畏惧又崇拜,逐渐产生了对山岳信仰之心,使得人们对神通的仙人们的所居之处也变得崇拜起来。由于道教思想更加超越世俗,所以隐遁居所的神仙思想开始被人们重视,形成了包括日本在内的东方国家的强大的民族意识。
中国人对山水有着特殊的爱。中国人画山水画与西方人画风景画有着根本的区别。在中国人的画里有着很好的宗教氛围,人们欣赏山水画的同时认识大自然的力量,懂得了人生的真谛。
画山水画并不是单纯的景物写生,而是要在画纸上体现出大自然的“神采”和“气韵”。
西洋美学认为,自然和艺术作品都是美丽的东西。艺术模仿自然,是一种把自然之美提升到艺术之美的行为。艺术作品始终和自然是分别对立的。
相对而言,中国的山水画具有一种自然的美。而且,它既可以表现出山山水水,自然风光的“气韵”,也可以表现出某一位画家自身的风采。人们画山水画也正是希望通过这样一种方法可以将上述事物很好地表现出来。
如果能够把山水的灵性表现出来的话,那么即便是从未见过的奇异景象也都无妨。以中国为首的,日本等东方国家的根本思想是,自然被认为是万物创造的最主要的部分。所谓“天”,在中国指的是万能的上苍,在日本是指太阳。东方国家里崇拜上天是最基本的道德信仰。过去,接近自然,遵从自然,与大自然共生共灭是人类起码应知的道理。
怎样接近自然?如何同自然共生息?这个题目也是决定个人价值的重要条件。
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六、巴黎派画家、池袋蒙帕纳斯和现代中国绘画
1.池袋蒙帕纳斯
我住的地方从东京的池袋火车站徒步十分钟就能到达,我把那里作为我的根据地,进行收集和介绍中国美术的工作。这个地方在昭和初期是爱见、里见胜藏、前田宽治、熊谷守一、松本俊介等东京美术学院的学生和众多艺术家们住居的地方。所以形成了一处重要的文化据点。人们效仿池袋交响乐团和巴黎的艺术大街蒙帕纳斯的叫法,给这里起名为池袋蒙帕纳斯。
时值昭和初年,从纽约华尔街开始蔓延的经济恐慌席卷了世界各地。就连东京这样的大城市也到处都是失业的人群。池袋这里也是一片动荡不安的局面。到处充斥着色情的景象,不和谐的气愤笼罩了整个城市。
就在这样的氛围下,在这座城市里,爱光、小岛善太郎、山口轨外、林武、木下孝前等年轻的画家们展开了他们关于人生和艺术上的激烈的争论。交友盛宴日夜不停地举行。
这里有一些人士,比如,里见胜藏、前田宽治、佐伯佑三等人曾经到法国留过学,接触过法国的巴黎派画家,他们亲身体会到了那些画家们开放式的绘画风格。他们在法国缔结了深厚的友情,为了艺术的兴衰,1930年,在没有利害冲突的前提下,他们成立了自己的协会。
他们把巴黎派画家盛行时期在法国学到的各种展现个人风格的画法带到日本,在日本让这样的画法更加成熟,他们勇于吸纳并改进现代派的画风,并大胆向风格变化和自我定位进行挑战。在绘画制作方面,他们通过色彩、笔触把自己的感情溶入到作品当中,使整个画面产生更多的律动感,形成独特的日本风格的野兽派画法。
在军国主义和战争的阴影下,以里见胜藏为首的,靉光、林武、三岸好太郎、须田国太郎、野口弥太郎等年轻的艺术家们,带着他们特有的热情、苦闷和浪漫情怀全身心地投入到了激情的创作中去。
北海道立三岸好太郎美术馆收藏着一幅三岸好太郎一九二九年创作的《戴面具的男人》。画中滑稽演员的脸上显露出不安和忧郁的神情。从这幅画中不难看出,他所描绘的这个人物形象恰好就是他自身的缩写。三岸好太郎把他自己内心深处复杂的心理通过粗犷的手法,生动形象地在表现在了画纸之上。
京都市美术馆内收藏了须田国太郎的一幅名为《村庄》(一九三七年、昭和十二年作)的作品。画中描绘的是京都郊外小仓山一带的乡村风光。但是,与其说是风景写生,到不如说是作者对当时社会的一种呼唤和愤慨之情。作品运用光线进行描绘,色彩的处理比实际的颜色要厚重、暗淡。作者希望观者能有很强的洞察能力和一颗宽容的心。
另外,还有一位叫做靉光的画家。虽然英年早逝,但是深受年轻人的喜爱。靉光在一九三零年(昭和五年)创作的一幅画叫做《弥撒少女(洋伞与少女)》。画中描绘了一位忧郁深沉的少女。靉光通过一种强烈的视觉感把少女温柔、激励人心的一面刻画得淋漓尽致。同时,靉光的斗志也像他内心的哀愁一样充满了整幅画面。
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2.巴黎派画家
第一次世界大战到第二次世界大战之间,法国出现了一段以巴黎派画家为主的文化兴盛时期。这期间,前田宽治、里见胜藏、佐伯佑三等许多年青的画家们前往那里学习。 他们受到了弗拉克曼、安德烈・德兰、Moise Kisling、Jules Pascin和毕加索等画家们的极大影响,兴奋不已。
大正民主时期,经济一片恐慌,青年画家们却回到了拥乱不堪的池袋。当时还没有美学这个说法。于是,在军靴声中,一场西洋美学与东洋画论之间的激烈的斗争展开了。
从巴黎回来的青年画家们,不断揣摩野兽派的画风,并把自己的感情溶入到色彩和笔法之中。他们尝试着如何使画面出现律动感的美术表现方法。青年画家们在饱尝失败的痛苦的同时,汲取了法国巴黎派画家独特的个人表现风格,最终创造出了独具日本特色的野兽派画法。
一位叫做小出楢重的日本画家,他留下来的很多优秀作品很多都是以裸体妇女为题材的。画中不仅体现了近代西洋画的特点,同时又不失日式绘画的风采。他采用明亮的笔法并配以艳丽的色彩来描绘人物,试图开创日本洋画独树一帜的先河。
还有一位画家叫安井曾太郎。他从画家塞尚那里学到了近代造型思想,并把这种思想带到了日本。他的绘画风格简洁理智,得到了很高的赞誉。
画家梅原龙三郎的画深受法国画家雷诺阿的影响。他的野兽派风格画同时还吸收了日本古代的大和绘和琳派画法的特点。笔劲强力,画面华丽。
画家坂本繁二郎的作品很多方面受到了印象派的影响。他的画不管从画风还是从精神主义倾向方面都向着带有强烈的独立个性的方向迈进了一步。
法国是第一次世界大战的战胜国之一。不论国力还是国民的精神面貌都表现出一种文化的兴盛。首都巴黎更是欧洲的一大文化聚集地。
日本很多年轻的画家都曾去过巴黎,从那里学到各种各样的绘画风格。然后,他们厉尽艰辛万苦返回日本,他们把池袋在转瞬间改造成了一个迷你的小巴黎。在池袋蒙帕纳斯里,创作出了很多优秀的作品。这些作品决不比巴黎派画家弗拉克曼、安德烈・德兰、Moise Kisling、Jules Pascin和毕加索等人的逊色。
即使是现在,这些作品都不会受到经济形势好坏的影响,依然对其有着非常高的评价。美术馆仍在不懈努力地从各地花数千万日圆找寻着当时那些画家的代表作品。

3.现代中国绘画
现代中国绘画的发展,应该也出现了和日本当时相似的情景。
中国的国土辽阔,一方面希望和其他国家共同成为世界公认的艺术大国,一方面又带着强烈的爱国主义思想,这样一种复杂的心态交织在一起之后不断爆发出巨大的能量,使中国在不断地前进。
中国迈着改革开放的步伐,迎来了文化兴盛的年代。
被全世界认可的中国画家层出不穷,成为一流艺术大国的愿望指日可待。

七、日本画的现代化
1.文人画
如果想要了解雄霸亚洲的中国绘画和其现代化的发展,就必须要参考日本画的现代化。自幕末到明治,文人画在日本非常流行。
明治时期,新政府的统治者曾经学习过汉学。所以,在那个时期,一般都会在房屋里摆放一幅文人画作为装饰。文人画的代表画家是日高铁翁。
日高铁翁是长崎临济宗春德寺的住持方丈。师承清朝文人画画家江稼圃。尤好描绘山水花鸟,以画四君子(梅、竹、兰、菊)中的兰花见长。
明治初期是文人画最为盛行的时期。活跃着近百名文人画画家。文明开化在进步,在旧士气气质上发展起来的文人画随着文明开化的浪潮的不断前涌,最终被淹没了。
越来越不受欢迎的二、三流的文人画画家大部分都从东京等大城市转向了中小城市。直到现在,这些城市的名门望族的家中还能看到很多堆积如山的文人画。
日本画被迫停滞不前。
特别是到了明治政府统治时期,为了富国强兵,美术作品作为商品被卖到了国外。在海外,带有异国情调的日本画深受人们的喜爱。为了国家的利益,当时绘制了大量复古风格的绘画。这样一来,日本画更加没有发展的空间了。

2.芬诺洛萨
芬诺洛萨(一八五三年—一九○八年),美国学者,受聘于东京大学,讲授哲学、经济学、政治学等课程。他热忠于日本美术的研究和收集。明治十一年,芬诺洛萨对圆山派进行了批判。他认为日本画侧重写生的画法已经衰落了。并指出不愿意看到文人画在写生的路线上左右徘徊。在芬诺洛萨心中,最完美的东洋画非宋元画莫属。因此他对保持了宋元画传统风格的狩野派给予了极高的赞誉。
芬诺洛萨为了推广自己的思想创建了鉴画会。鉴画会以尊重东洋画传统风格为理念,鉴画会的人们希望把这个理念很好地发扬光大,同时向世人推崇芬诺洛萨最为欣赏的狩野派。
芬诺洛萨的鉴画会里,云集了狩野友信、狩野芳崖、桥本雅邦等知名画家,通过对绘画作品的品评,大家相互交换了很多意见。
为了配合日本美术的研究工作,芬诺洛萨与担任翻译的冈仓天心一起成立了东京美术学校。
最先引出日本画近代化风潮的人物是活跃在鉴画会的成员狩野芳崖。
在构图和色彩两个方面芬诺洛萨对狩野芳崖提出了一些建议。在颜色上,芬诺洛萨提出让狩野芳崖使用黄色、蓝色和红色进行搭配;在构图方面,芬诺洛萨又提出背景可以采用拱门或枝形作为装饰。在色泽调配这方面,狩野芳崖采用了由近及远渐渐淡化的空气远近法。
狩野芳崖的代表作品里,有一幅题名为《悲母观音》的画。现在,这幅画已经成为日本重要的文化遗产。该作品参考了意大利文艺复兴时期的画家乔尔乔内的《祭坛的圣母》,空间结构上效仿了西式画法,颜料也采用的是西式的。
这是向受到西方美术强烈影响的传统日本画,摆脱旧的描绘手法向前发展的日本画近代化迈出的第一步。

3.朦胧派
日本画近代化发展的第二步就是横山大观、下村观山、菱田春草、西乡孤月等一群所谓的朦胧派画家们,将绘画尺度向大胆奔放的方向推进。
这个新的设想源于一句冈仓天心向横山大观、菱田春草等人发出的提问:“没有描绘空气的方法吗?”
横山大观等人听到这样的提问后,在沾湿的纸张上做起画来,一种新的绘画方法应运而生了。
明治三十一年,作品《四季的雨》诞生了。画面上有很多的线条,但并没有简单地只是通过这些线条把雨丝描绘出来,而是把下雨前那种湿润的状态巧妙地表现了出来。
受西洋画影响产生的朦胧派的主要画法叫做无线主彩法。这种画法在当时的日本绘画界是不被理解的,被批判说技术和技法不够成熟。支持传统画家的上流社会的人们骂他们的画“洋里洋气”,画商们也不敢买他们的画。于是,冈仓天心陪着横山大观、下村观山他们来到了美国。
他们在美国各地举办展览会,征求各界意见和建议。在日本不被看好的朦胧派系到了美国却获得了空前的好评。所有作品都高价售磬。现在,横山大观、下村观山等作家的很多作品都留在波士顿美术观对外展出。
然而,横山大观等人从美国回到日本以后,日本画坛依然将他们拒之门外。不得已,冈仓天心、横山大观、菱田春草、下村观山、木村武山五人携家眷一同搬到了距东京东北160公里外紧邻太平洋的茨城县五浦那里的天心别墅。

4.五浦
五个人在五浦定居了下来,他们自称是东方的法国风景画家派画家。住所门前还悬挂了一块日本美术院研究所的牌子。即便如此,还是没有画商前来问津,生活极巨窘迫。
不过,鹿岛滩惊涛骇浪下的明媚风光,使得生活如此贫困画家们仍旧保持着创作的热情。
明治四十年,文部省内的弱小团体及个人希望分散在各处的画家们进行一次求大同存小异的团结合作行动,举办了文部省美术展览会(简称“文展”)。
第一界文展参展的作品有横山大观的《二百十日》、《曙色》、下村观山的《树间秋色》菱田春草的《贤首菩萨》(二等奖)、木村武山的《阿房宫炎上》(三等奖)。第二界文展展出的横山大观的《流灯》。这些作品都是画家们在五浦的逆境生活创作出来的。
只有在最艰苦的时刻产生的梦想才是最美丽的。
他们终于在五浦第一次感受到世界是如此的美丽。
下村观山的这幅《树间秋色》采用了西式颜料,画面在整体装饰上运用了琳派画法,色调调和上又使用了大和绘的手法。颜色由浓及淡很好地表现出了光线的远近效果,与大胆的垂直构图相辅相成。这样的绘画手法为日本画开辟出了一块崭新的天地。
于是,日本画的现代化向着无线主彩的阶段前进了。色彩的明暗浓淡的调和非常接近运用光线进行绘画的西式风格。还有更为重要的一点是,将传统的琳派画法运用到了现代绘画之中,通过这样的手法绘出装饰性的线条。由此看来,日本画已经达到了一种全新的绘画境界。
至此,日本画现代化成功地迈出了第三步。
接下来面临的是日本画在技术和构图方面的问题。
自此以后,又涌现出了川合玉堂、土田麦仙、前田青村、贤山南风、安田靫彦、速水御舟等很多优秀的画家。日本画向着更新的兴盛时期冲刺。
这些画家的本画和代表作几乎都收藏在国立的美术馆里,市面上很少能见到。但是,为了保存这些画,让它们流传百世,购买的时候一定投入了巨额费用,如此想来收藏在这样的地方也就不足为奇了。
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发表于 2007-5-28 17:19 |显示全部楼层
八、中国绘画的现代化
1.权威和评价
中国绘画和日本绘画一样走的是相同的路线,在现代化发展道路上都曾经历了大风大浪。但是,中国绘画现代化发展的速度要比日本快好几倍。
经过文化大革命狂信、破坏的十年,又走过了改革开放的近二十年路程,现代中国绘画的现代化始终也不曾有过混乱、错误的迹象。
中国和日本不同,现代化自始至终围绕着气韵生动这一绘画理论发展着。
在中国,自古时起就有科举考试制度。传统意义上说,科举考试制度是对包括人在内的各种事物做出好坏评价的一种方法。
要想不断对现代中国绘画做出正确评价,不断追逐现代中国绘画发展的潮流动向,就需要采取一种淘汰选择的方法。这个方法可以对一个作品的好坏做出判断,也可以了解一个作品是否受到人们的喜爱。在这方面,展览会可以说具有绝对的权威性。通过展览会上的实际情况和观者的倾向性可以直接了解到现代中国绘画的流行趋势和人们对它的评价。

2.民国时期的展览会和画风
中国的画家们受西洋画的影响,把过去的炭画、铅笔画、钢笔画、漆画、焦画等系统归为国画、油画和水彩画几大类。一九一九年(民国八年),画家颜文樑和除永青等人一同在苏州举办了展览会。
一九一二年(民国元年),刘海粟、张聿光成立了上海图画学院,并在在校美术学生中发起了国画改良运动。一九一九年,“五四”新文化运动开始了。新文化运动中再次提出了国画改良运动时期提倡的发展艺术教育的号召,如火如荼。此后,以上海为中心,全国各地相继成立了美术学校和美术团体。西洋画法被引入中国,并得到了普及。
但是,从另一个角度却表现出中国不太重视民族遗产发展的问题,过于盲目崇拜西洋画的倾向不断高涨。在这样一种环境里,徐悲鸿吸取了中国画严密写实的特点,在传统绘画基础上融合了西洋绘画技巧,创造出了新的独特的画风和风格。一九二五年(民国十四年),刘海粟、蔡元培等人在私立美术学校里以毕业画家为中心举办了教育部第一次全国美术展览会。
参展的作品的画风大多倾向于中国国画和西洋画。过去受到批判的“高雅”此次得到了人们的青睐。过去的画总是效仿古人,逃避现实。而现在,很多画家都敢于大胆地开辟自己的道路。国画改良运动日见成效。
一九三七年(民国二十六年),教育部第二次全国美术展览会召开。近两千幅中国国画,七百幅油画参加了展出。参展作品大多受到西洋画和日本画的影响,可以看出,新生代的国画倍受注目。高剑父、张大千、刘海粟、林风眼、吴作人、黄璧虹、吴湖帆等人作为代表当选了这次展览会的评委。
一九四二年(民国三十一年),教育部第三次全国美术展览会设在重庆举办,参观者达到了数十万人。
但是,当时已经爆发了抗日战争,时机不是太好。随着抗日战争的激化,抗战美术运动急速扩展,反映抗战、社会主义、现实主义题材的作品增加了很多。

3.中国全国美术展览会
一九四九年十月,新中国成立以后,中共指挥部考虑到解放战争期间美术特别是绘画对人民群众的教育以及抗战宣传方面起到了良好的效果,具有非常大的影响力度,决定下力大搞一场美术运动。
一九四九年七月,第一届全国美术展览会在北京召开了。此时距新中国成立还有三个月。展览会的总报告的题目是《为建设新中国的人民文艺而奋斗》。
第二届全国美术展览会是一九五五年三月在北京西郊的苏联展览馆举办的。参展作品四千二百余件。其中,二百一十四幅国画和一百三十幅油画入选。参展作品的种类是国画、油画和水彩画。作品的题材主要是围绕着社会主义事业、抗日战争情况以及赞扬革命战争中的英雄事迹和英雄人物展开的。反映劳动人民、农民和士兵的作品占绝大多数。
一九六二年五月,第三届全国美术展览会在北京的中国美术馆举行。这次展览会的另一个目的是借助此次大会来庆祝新中国成立十周年。参展作品大多走的是现实主义路线。展品的主旋律是讴歌社会主义建设,赞美抗战英雄。
一九六四年九月,北京、上海、重庆三地同期举行了第四届全国美术展览会。参展作品近两千件。这次展出的作品大部分是以“为工农兵服务”的党的文艺方针进行创作的。作品的特点是教条性、说明性和宣传性较强。
一九八○年二月,第五届全国美术展览会再次在北京的中国美术馆拉开了序幕。这次展览会历经了一十六个年头才得以重新和观众们见面。参展的作品有四百一十七件。其中,中国画有一百零六幅,油画一百三十一幅。与第四届全国美术展览会相比作品少之又少。想来是受到文化大革命和打倒四人帮的影响,人们的价值观发生了变化,但是美术界却没有找到比较完善的对应方法造成的吧。
参展作品的主要题材是社会主义建设事业和革命战争两方面,依旧沿袭了现实主义路线,和以前参展作品的内容没有什么太大的区别。不过,可以看得出一些作品作者在表现手法上还是下了很大的工夫的,在绘画制作方面多少找回了一些自由发挥的感觉。这里,要提一下四川省重庆市的马振声同妻子朱理存共同创作完成的作品——“酒歌图”。该作品把雄伟的自然作为背景,同时运用工笔画技法,抽象地描绘出了农民和工人的群像。作品甚至被刊登在了人民日报等报纸上,受到了人们的广泛关注和无上的称赞。
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发表于 2007-5-28 17:21 |显示全部楼层
.第六届全国美术展览会与第七届全国美术展览会
一九八四年十月,北京、南京等九个城市同期举行第六届全国美术展览会。第六届全国美术展览会受到了全中国人民的关注,同时进行了精心的准备工作,是历届全国美术展览会中最具权威性的一届。
在这里,我要对这个具有权威性的“全国美术展览会”进行一下说明。
全国美术展览会原则上是五年举办一次。准备得比较到位的展览会应该就是第六届了。第五届全国美术展览会结束后的第三年,一九八三年的五月,政府、文化部和中国美术家协会联名向全国各地美术家协会分会发出了举办第六届全国美术展览会的通知。随后,各省、市、自治区成立了各自的第六届全国美术展览会作品征收办公室或相应的筹备机构。这些办公室或筹备机构为了画家们专心创作提供了良好的后援。他们甚至考虑到应该给那些主要的发展美术事业以及在校任教的美术家们提供充足的创作时间。并另外支付给这些画家一笔为寻找绘画素材到各地寻访的专项经费补贴。
像这样涉及整个中国,并由政府主办的大规模的公开招募的展览会这是唯一的一次。
日本可以与此次展览会的规模和权威性相抗衡的应该只有明治四十年由文部省发起的文部省美术展览会(文展)了。
摆脱了文化大革命和四人帮带来的混乱、破坏的束缚,第六届全国美术展览会带给人们的是改革开放后,自由带给人们的喜悦心情,以及以改革开放为背景的无数才华横溢的作品。作为主办方的政府、文化部和美术家协会在这次展览中设立了金、银、铜三个奖项,确立了获奖的标准。主办方期待这次的展会成为一届具有真正公平竞争的展会。同时,提倡作品最重要的是追求艺术美。
入选作品的选拔也需要分几个阶段进行,对于作者来说,到达最终入选的道路漫长而险峻。
首先,作品要在市级单位(日本的县级单位)参加评选,入选作品进行最初的选拔。被选中的作品被集中到省里再进行一次评选。通过省级单位的严格挑选后获胜的作品被送往指定的展示会,在那里再进行一次选拔才能决定最终参展的作品。然后,所有入围的作品还要再经过一次评选,最终评出金、银、铜奖获得者。到此为止,选拔才算真正结束。
以第七届全国美术展览会为例。第七届全国美术展览会应征的油画作品数量,市级也就是日本的县级单位为三千八百件,送到各省评选的作品为五百八十七件。将这五百八十七件作品送往专门负责评选油画的南京地区的展示会场,在那里选出了三百五十六件入围作品。最后,要在这三百五十六件作品当中评选出金奖两名,银奖一名以及铜奖三十七名。
市级单位也就是日本的县级单位的参展画家们,在自己的城镇应该是被冠以绘画天才头衔的人物,而且应该获得过不计其数的奖项。
一部分由于在文化大革命时期受到种种迫害而拒绝参赛的艺术家没有参加美术展,假设排除他们参加的话,提及现代中国美术一词的时候,这届的美术展应该可以称得上是当今最能代表中国的美术展览会了。在中国美术史上,全国美术展是唯一能表现自我存在,而且是展会等级最高的展览会。入围和获奖越是困难重重,取得入围资格和得到奖项的时候就越能获得物质和精神双方面的荣誉,这才是最大的收获!
提起中国的现代美术史,就必然会涉及到曾经获得奖项的选手,他们的名字将被永久地记入历史史册。
倘若在二十世纪初期的法国巴黎派画家美术展览会或者日本文展开办时期曾经获得过荣誉,那么在获得荣誉的同时也代表了一种权势,在这点上,即使是现在的中国也依然如此。这种制度建立起来以后,涌现出许多优秀的画家,他们的名字都载入了美术史册。
我从事研究中国美术的工作已有十多个年头,曾经到过中国二十多次,收集了很多现代中国绘画。
现如今的中国,受到世界关注的艺术家层出不穷,创作出很多举世瞩目的名画。
特别是曾经在第六届和第七届全国美术展览会上获得奖项的画家,他们和他们的作品都深受人们的喜爱,许多出自他们之手的名作被保存了下来。
像这样的“全国美术展览会”,毫无疑问代表了中国美术界的最高赛事,同时也成为了收藏家们重要的指向标。

十,收藏现代中国绘画的现状和未来
现在,在日本收藏现代中国绘画的本画还是一件非常困难的事情。在我经营的这家东彩美术画廊里虽然的的确确也对外销售现代中国绘画,但是很多都是非卖品,无法满足市场的需要。
过去,许多规模比较大的画廊、百货商场和企业也曾经尝试采购和销售现代中国绘画,但是最后都以失败而告终。
这些原因归根结底是由日本和中国双方面造成的。
十年前,在现代中国绘画还没有引起人们关注的时候,世界著名美术馆馆长纷纷前往香港、北京等地学习中国绘画,但是日本这方面廖无一人。换句话说,日本从最开始就比其他国家晚了一步。泡沫经济时期,欧美和日本的绘画作品价格急剧上涨,日本大型画廊也是在担心泡沫经济崩溃,为自己日后的出路做打算时才想到引进现代中国绘画的。
画廊本着共同友好的目的,在各地举办中日两国画家联谊绘画展览会。但是,我完全能够想象得到像这样的展览会将会出现怎样的问题,而且问题肯定是层出不穷的。
问题之一就是中方画家的水准高度。
以在北京故宫举办的中日两国画家展览会为例。
展览会上展出了许多日本名家出身并在日本深受欢迎的现代画家的作品,但是中方观众除了对高山辰雄等两三位画坛巨匠的作品感兴趣之外,其他作品根本没有达到日本人想象的那样,反响并不是很强烈。
日本的工作人员不停地询问前来观看画展的观众对日本绘画的感想,大多数人都这样表示道:“构图方面日本也有很多优秀的作品,但是就对绘画本身的感觉来讲中国的作品更为出色”。
最后,当中央美术大学的学生们指出被称为日本巨匠的画家们的作品的绘画力度不足时,日本的工作人员沉默不语了。
顺便提一下,当时日本著名画家作品的价格相当于同级别中国画家的一百倍。如果大型画廊或者企业购买现代中国绘画的时候,肯定要选择画家中的佼佼者或者近代的古画,但是原则上这样的作品大多不允许带往国外。那些作品被限制在画家的一级作品之内,但是在日本能够理解这个标准的人几乎没有。
最后要提到的是,在日本并没有销售中国绘画的市场,所以即使购进了现代中国绘画的本画(即代表作品)也无法维持正常经营。购买现代中国绘画需要经过长时间地对现代中国绘画进行研究,同画家进行接触,最终确保作品是本画或代表作之后,再不辞辛苦带回日本。然而如果不开发日本人这方面资质的话,他们就无法理解中国绘画。
如果进行宣传的话就需要大量的资金,但是本画也好代表作也罢,毕竟只是一幅画而已。
出书受到再版制度的限制,开展览会的话展地又受到规章制度和法律的束缚,没有一点自由的余地。现在以东京都为中心日本各地都建起了美术馆。东京都美术馆曾以六亿五千万日圆的价格购进了Roy Lichtenstein的《戴丝带的少女》。不说是对还是错,但是这种方法确实存在问题。
二十一世纪的超级大国中国的现代画家的代表作品掌握着今后日本经济和文化的命脉。如果用那笔费用可以购买到他们的一百多幅作品了!
曾经的超级大国与二十一世纪的超级大国,一件作品和一百件代表作品,哪一方的影响力更大?这绝对是个显而易见的问题吧?!二十一世纪的东京是否可以成为亚洲的中心?这需要下一代的年轻人必须和中国不遗余力竞争到底。
不是建设东京的人们要回顾过去的荣耀,为了下一代的年轻人他们在二十世纪末就开始对中国表示关注了。如果为了下一代的孩子们更好地了解中国,不管怎样都应该把中国绘画展示给他们,要让他们与中国保持亲密的往来,必须要让他们去做这样的工作。值得思考的是怎样做才能给年轻人最大的鼓励呢?
转入现实生活当中,如何去购买现代中国绘画呢?
二十世纪初期,毕加索、莫奈等众多印象派画家在巴黎刚刚为人知晓,三十年代的时候,林武、爱光等人才创建出池袋蒙帕纳斯。花钱如流水的富翁乃至商家并不知道,如果用和那个时期完全相同的价格收藏画品几乎是不可能的事情。那时凡高没有一幅画可以畅销。爱光的画也是如此。横山大观的画在那个时候甚至定不出价格。现在这一切都成了人们谈论的逸闻趣事。
可是,凡高的画并非几十年都买不出去,此后的名气就像赝品大量产生一样受到很多人的喜爱。横山大观也是在第一届文展发表了《二百十日》、《流灯》等作品后人气一路飙升。
画家不出名的时候,甚至连他是否存在于这个世界都不会有人关心。
一定要相信你欣赏的画家具有绘画的天赋,也要相信自己的审美观,抱定这样的心态后再去收集他们的作品。要知道收集一个无名画家的作品要比收集已获得肯定的画家的作品更多几倍危险,也要付出更多几倍的艰辛。
听到过这样一个故事,说有一个人因为曾经给住在池袋蒙帕纳斯时贫困潦倒的爱光和松本俊介、前田宽治等人做了一顿晚餐,因此得到了他们的一幅画,现在这幅画已值数千万日圆。
我也曾在池袋蒙帕纳斯旧址住过一段日子,寻访过两三位熟悉过去事情的老人,也做过一些调查,有的故事不能完全持否定态度,突然又想起了一个很有意思的故事。
这个人后来也成了有名的画家。在此之前,他曾就读于东京美术学校,在一处美工室借住。他的家庭本来相当富有,但是受到昭和金融恐慌的影响,家人无法给他寄生活费。这种事情在当时时有发生。房东觉得他可怜,经常把院子种的蔬菜和水果拿去送给他,听说一直供他到毕业。由于房东的帮助,这个人圆满地结束了东京美术大学的学业。作为一年的房租,他把自己的两幅毕业作品一幅送给了学校,还有一幅送给了他的房东。他送给房东画的原因是,是因为房东并不是为了得到他的画才乐于帮助他。
这是一个美丽的故事。
我不希望这个故事被搀杂任何水份,但是我想从这个故事里还会引出很多的话题吧。
首先,有一种说法是说房东早已看出这个学美术的学生确实具有绘画方面的才能。这点可以从房东甚至比得到一幅画还要满足的神情就能看出来。房东得到的这幅画,当时是抵了一年的房租,倘若换算成现在的价格大概要变成庞大的数字了吧。
货币价值和价值观相比,略微想想也能想出很多的不同之处,现在租用一套美工室一个月大约需要十五万日圆左右。一年就是一百八十万日圆,再加上各项杂费总计需要二百万日圆。
以现在的价格计算,当时一位有名望的美术学生的本画或代表作品,买不买先单说,起码的价值就在二百万日圆。
众所周知,一个学生一年中要进行设计、外出写生、速写和创作等学业。以油画为例,一年规定要完成两到三件具有代表性的优秀作品。
这居然同和我有长期合作关系的中国现代画家们的情况相一致。
我购买现代中国绘画的时候,都是用几百万以上的日圆买入中国画家们的本画和代表作品的。
中国的画家有时会把很多画坏的或没画完的画都一起拿出来,但是没有一幅代表作品,很多时候都是仅以一幅作品的价格就成交的。换句话说,没有一个画家在未成名之前会把他的代表作品以零价格出售的。
日本和中国都一样,就读东京艺术学校或中国的知名院校之前,很多学生在当地就已经小有名气了。他们经常美术展览会上获奖,进高等院校学习,甚至被授予教授称号在全国的展览会上取得名次。不是名人的说法只不过是日本人自己的认为而已。
即便是日本,有才能的画家的代表作品也大多被美术馆或收藏家所收藏。
一般认为很多作品由于画家夭折或者战争混乱等原因,流失到了民间,它们可能被遗忘在城市的某个旧货店里,布满了灰尘。但是,如果这是一件艺术价值很高的作品,即使的凡人也会一眼就把它认出来的。
还有的当时的买价很高,并被郑重地保存了起来。
很多画是世代相传下来的,所以价格不详。被人发现了也就公诸于众了,但是这些画大多作为传家之宝,验证着家族生存的意义。
日本有句谚语叫做一期一会,意思是说一生只能相遇一次。对于我们也是如此,一次难得的相遇需要很多重要的因素才能实现。
我曾经在中国的展览会上看到过女画家朱理存的作品,她的画是那么的美丽,我被它深深地吸引住了。
我收集了很多现代中国绘画的资料,对它们进行不断的研究探讨。转眼间已经过了快二十个年头了。
其中有一份资料是一九七七年在长崎唐人馆举办的“中华人民共和国现代美术”展的目录。这份目录中刊登了一些现代中国绘画的作品。除了吴作人、黄胄等部分画家的作品外,内容几乎的都是描写革命斗争题材的,主要围绕着无产阶级艺术是所有无产阶级革命事业的组成部分这样一个党的方针路线。
这样的绘画对于我们日本人来说就好像一个对历史一窍不通的人在欣赏历史画一样,毫无艺术价值。不过,当看到在这些作品当中还有吴作人、白雪石、黄胄、吴冠中等画家的作品的时候,我们似乎从中感受到了一丝艺术大国的风范。它们正告诉人们可以把观者引入神奇世界的优秀作品还是零星存在着的。
我虽然收集现代中国绘画,但是一直以来都很茫然。直到一九八五年我到中国旅行的时候,看到了一本由重庆出版社出版的《第六届全国美术作品展览获奖作品》的刊物,我才开始对我的收集有了绝对的信心。直到现在,当我打开这本书时油然而生的感激之情一如昨日。
为什么这么说呢?从此以后我将成为一名一心为中国着想的画家,我确信我的所作所为也会给日本带来很大很大的影响。因为,我同画家们不断地进行沟通,并买下他们的作品。我曾经给予过援助的很多位画家都曾经在绘画比赛中获得名次。
其中有:在国画比赛中获得银奖的马振声、在油画比赛中获得银奖的薛雁群。还有获得国画比赛铜奖的陈佩秋、朱理存、梁如洁以及获得油画比赛铜奖的许荣初、赵大均和扬克山等人。
特别是画家朱理存和他的先生马振声,看过他们的作品后我非常激动,立即与住在重庆艺术村的他们取得了联系。帮他们在新加坡举办了展览会,替他们转让他们的作品,还从日本寄绘画颜料给他们。正因为有着如此深厚的交往,我从心底里祝福他们获得更多的奖项。
在我的心中还想着一个人,他就是鲁迅美术学院的院长宋惠民先生。
第六届和第七届全国美术展览会的油画评比中产生了很多获奖者,最引人注目的当属沈阳鲁迅美术学院。
可以代表中国的名门美术大学有两家,一家是北京的中央美术学院,另一家就是鲁迅美术学院。
我拜访了鲁迅美术学院的院长宋惠民先生。通过翻译的帮助,我们一同探讨了关于美术理论、人生观、美术技法等很多方面的话题。我还同他就文化大革命、政治体制、中国的世界观等一些热门话题进行过交流。我被他高尚的品格和博学多才深深地打动了。
还有一件事也让我很感动,那就是年轻的画家们永远不会忘记对老师们的关爱,这份爱在日本人心中已被遗忘很久很久了。
第七届全国美术展览会上,韦尔申的《吉祥蒙古》获得了油画组的金奖,刘仁杰的《风》王岩的《黄昏时寻求平衡的男孩》同时获得了银奖。另外还有一位被人们赞为“中国之宝”的画家,名叫郑波。他的画可以说与日本画家杉山画伯的画不相上下。期待他们的作品能够被保存下来,并且希望得到日方方面对作品的评价。
但是,有太多期望的日本在现代中国绘画形成市场之前充满了悲凉,泡沫经济很快就崩溃了。泡沫经济的崩溃让日本人想到了一个新的问题——资产为何物?
日本人的意识发生了转变,他们开始关注起现代中国绘画来。并且,他们把现代中国绘画看作是二十一世纪的资产。
战后日本人的价值观可以说全部心思都放在了房地产之上。在城市拥有一所大房子或一幢楼是所有人的目标。
为战后日本高速发展努力拼搏的人们稍微留意一下的话都不难看出,现在他们都已经是两鬓斑白年过半百的老人了。生活在战前、战中时期的人们,有些人经过顽强打拼度过艰苦生活后飞黄腾达起来,然而他们大多都已过古稀之龄。说句好听的,现在的日本是一个成熟的社会,往坏了说,日本已经变成了一个高龄大国。
没有必要去看法国、英国、美国等先进国家是怎样发展的,随着时间的递增,那里的土地价格也将描绘出一条持续的平缓的抛物线。
伴随房地产所有者的老龄化,越来越多的房产将会被继承。继承房产后需要支付一大笔遗产继承税。所以我想买卖土地的人会不断地增加的。
房产继承人面对不断下跌的房地产,他们最大的愿望就是尽快将土地出售。我真有些担心房产下跌的局面愈演愈烈。
在过去的英国,产业的兴旺与日本地价上涨都经历了相同的“圈地运动”,英国是征收牧场将其改建为住宅或公寓。但是在劳动力廉价的美国却将产业基地转移了,人们都迁出了自己的住处返回到了原来的牧场里。
一般认为日本的首都东京是不可能为增加土地的面积退地还耕的,不过作为笑话说一说到也未尝不可。现在,经济产业重心已经转移到了劳动力和土地都十分低廉的东南亚和中国去了。一连数日,电视和报纸一直在报道东南亚和中国的发展情况,日本人也正注视着遥远的国家发生的这一切变化。
中国的记者们不断地重复着一句话:“一定要赶上三十年前的日本!”
不知道是什么原因,中国繁华街道上的各个俱乐部里门庭若市,这里的票价竟然是中国普通劳动者平均月收入的两倍!很多日本人看到这样的报道之后,心里不禁一动,他们眯缝着眼道:“唉,真是没办法啊!”
如果这确实是南半球国度里的故事,那么作为人们谈论的话题我想这是最好的了。
但是,现在东南亚各国和中国的繁荣对每一个日本人的现在和将来都有很大的影响力。
特别是中国,它的国土是日本的二十三倍,人口是日本的十倍,从东京成田坐飞机到北京大约要三、四个小时。经济产业重心确实转移到了中国各个对外开放的城市,日本的经济越来越空洞化了。日本的土地价格下跌,经济不断畏缩。从食品到生活日用品没有一样不是来自东南亚或者中国。
由于我常到海外出差,所以很自负地认为日本是一个很不错的国家。因为我觉得日本可以给人一种非常安全的感觉,让人觉得这是一个充满了生机的国家。但是,泡沫经济和长期积攒的矛盾在同一时间爆发了,整个社会变得混乱不堪。如果说一根被抻直的弹簧无法恢复其原来状态的话,泡沫经济崩溃以后,以前的那个社会也不可能再回来了。接下来,日本渐渐滑向衰落,剩下的仅仅是各种条条框框和毫无发展前途的老人们。
今后的年轻人目光应该着眼于香港、上海、北京等地。在那里他们可以实现自己的梦想,也可以找到生存的意义。
来到充满异国情调的上海,坐在和平饭店顶层的咖啡厅里慢慢品味着一杯咖啡。放眼望去,扬子江水滔滔奔流,仿佛幕末时期的志士们冲杀过来。对岸,象征着现代中国的浦东高层建筑群鳞次栉比。大型汽船的桅杆从楼宇之间掠过,雄伟的地平线伸向远方,地平线的前方就是欧洲。
但是,我现在并没有在日本。
或许是岛国人民特有的禀性,我们日本人认为既然生活在这样的现状之中,那么为了幸福的生活、为了美好的将来,就应该考虑如何积极地做好资产的保护工作。另外,在考虑这方面之前,我们还应该向法国、英国、美国等先进大国学习。
房屋销售状况不佳房价却上涨的情况基本上是不可能出现的,这个问题在任何一个国家都是相同的。
在美国的波士顿等地区随着汽车产业的衰退,大量的商社用楼被出售。看到这些,真让我们不寒而栗。
看来,不光要作好资产的保护工作,也应该作好资金的保护工作。日本使用的币种是日元,美国是美元。现在,日元升值了。三十年前,一美元可以折合三百六十日元。国家的国力可以决定汇率。
日本的发展很空洞化,日元一下变得非常坚挺。中国的人民币就是靠着港币才开始升值的。
同国际化接轨的今天,把存款当作保护资产的途径已经是不可取的了。
那么,把资金用来购买字画或古玩是否行得通呢?
有些人是作为一种爱好去收集古玩字画,在这里我们先暂且别论。单凭为了保护自己的资产采取这样一种方式而言,我们说这个举动完全可以认为是开创了一项非常了不起的事业。
购买古玩字画需要很多的资金。金钱是仅次于生命的第二等重要的大事。若想不买到赝品或者无价值的东西,就需要提高自身的教养和素质。另外,要把这件事情当作人生最终的命题去研究,才能买到真正有价值的东西。这是一个非常重要的问题,也是问题的全部。这里谈到的价值并非金钱的价值。通俗地说,不论什么时期都会有人想做小偷。
我开始考虑在日本可以买到什么样的画儿。
最初想到的是凡高、莫奈等印象派画家和美国的通俗美术等欧美方面的作品群。这些作品中,有很多作品的售价在法国、日本、美国等先进大国里一直持续上涨,每一幅作品的价格都达到几十亿日元。它们已经成为法国、英国、美国等过去的经济大国资产的一部分,现在也起着不可或缺的作用。
我不太清楚泡沫时期的情况,不过现在可以花几亿或几十亿日元购买印象派等派别作家的本画和代表作品的日本人好象为数不多。我也不敢断言这些作品今后是否仍会继续升值。还有一个问题就是根据税法上规定,巨额作品的继承是很困难的。
其次我考虑的是包括日本画在内的,日本人的绘画作品。对于我们日本人来说,谈论日本绘画的时候多少会有一些私心,无论如何评价都会比较高一些。虽然这么说,但是泡沫经济时期,国际上对日本画家的作品的估价就像不景气的房地产一样,无法避免贬值的危机。版画类的作品就更不用说了,它们的作用是用来装饰房间的,起初根本没有人过问这样的东西。
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发表于 2007-5-28 17:43 |显示全部楼层
原帖由 森林与水泥 于 2007-5-26 20:33 发表
谢版,这文章出书了吗?电脑上看不方便想看书~嘿嘿 ~~~

嘿嘿~!还真是想买这本书看看了~!
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